La búsqueda de los griegos para encontrar una explicación racional que ordene las diversas expresiones que todo hombre percibe a través de sus sentidos, es la clave para entender el arte griego.
Platón decía "la medida y la proporción realizan en todas partes la belleza y la virtud" es ideal para explicar cómo el reconocimiento del orden y de la medida en los fenómenos naturales sirve de base a un ideal espiritual. La búsqueda de ese ideal sólo se puede realizar mediante el análisis y la definición racional, uniendo algo que nuestro mundo hace muchas veces excluyente: racionalidad y espiritualidad.
Estas ideas se pueden ver muy bien en arquitectura mediante la aplicación del concepto de orden arquitectónico: proporción entre las partes de un edificio para lograr la armonía entre sus elementos,sus materiales y, también, entre naturaleza y obra humana.
La realización de esculturas, así como de edificios, que son expresión de armonía y la esencia de la naturaleza, es lo que permite comprender la gran importancia que el arte griego tiene para toda la humanidad.
El Partenón o residencia de Atenea Partenos es uno de los principales monumentos dóricos, como podemos observar en muchos de sus elementos como el fuste estriado o su capitel etc. Fue construído entre los años 447 y 432 a.C.La construcción de este edificio realizado en mármol blanco fue hecha por Pericles ,agradeciendo a los dioses su victoria contra los persas.
El Partenón en principio era un templo, después era una basílica, pero en 1687 los turcos lo utilizaron como depósito de pólvora.
La decoración escultórica del Partenón es una combinación única de las metopas, los tímpanos y un friso, donde se representan diversas escenas de la mitología griega.
Las metopas representaban la gigantomaquia en el lado este, la amazonomaquia en el oeste, la centauromaquia en el sur y escenas de la Guerra de Troya en el norte. Cada tímpano del centro contenía una escena mitológica: al este, sobre la entrada principal del edificio, el nacimiento de la diosa Atenea, y al oeste, la lucha entre Atenea y Poseidón, dios del mar, por el patrocinio de la ciudad de Atenas.
`
La acrópolis de Atenas puede considerarse la más representativa del las acrópolis griegas. Antiguamente la acrópolis era la parte alta de una ciudad y tenía una doble función: por una parte defensiva y por otra la sede de los principales lugares de culto. Esta constituida por el Partenón, Erecteión, Propileos, que era la entrada a la ciudad, templo de Atenea Niké, Pandroseión, entre otros.
Es una pena que no lo desarrolles más y no aportes imágenes, por ejemplo. Empiezas muy bien, pues te refieres al segundo nivel de la mirada, que poca gente menciona, pero el primero (descripción formal) lo pasas por encima, cuando es la parte en la que más te podías "lucir" gracias a lo explicado en clase. El tercer nivel también lo tocas por encima. Además no incluyes la procedencia de la información. SIGHTSEEING 2
El Santo de los Croques (Santo dos Croques en gallego) (¿crees que es necesaria esta aclaración?), se encuentra en la Catedral de Santiago de Compostela, obra realizada por el Maestro Mateo y en su interior podemos contemplar el Pórtico de la Gloria( realizado en 1188), donde se encuentra la escultura que vamos a explicar. (vaya rodeo que das para explicar su situación) Nos encontramos, pues ante una de las obras más queridas y visitadas de la catedral, ya que una antigua tradición cuenta que los estudiantes de la Universidad de Santiago, para obtener más sabiduría chocaban su cabeza tres veces contra esta escultura. Esta tradición ha llegado hasta los peregrinos, que también la han incluído, aunque han sido tantas las personas que han chocado la cabeza contra la escultura que en la actualidad no se permite realizar este gesto, debido a que se está protegiendo la escultura (no repitas la palabra escultura).(2) La escultura representa a un hombre arrollidado que da la sensación de que está rezando y que está de espaldas si lo comparamos con las demás esculturas. Se dice que representa al propio constructor de la Catedral (uno de ellos), el Maestro Mateo, que se arrepiente de haber esculpido a el mismo al lado de Dios en el Pórtico. Por ello, creo creó esta escultura para mostrar su arrepentimiento. Y arrepentiemiento es el que podemos sentir los propios gallegos al haber que estamos destruyendo nuestro patrimonio.
Dice la RAE que Patrimonio es el conjunto de los bienes propios, antes espiritualizados, y hoy capitalizados y adscritos a un ordenado ???, como título para su ordenación.(no se entiende, Iria)
Uno de nuestros escritores, Manuel Rivas, dijo en el País: " Prohibir os croques na catedral de Santiago é unha das decisións máis tristes e erradas na historia da espiritualidade galega. Haberá un antes e un despois dos croques Dise que é polo deterioro. Mais eu desconfío. Porque logo vai o voceiro do Cabido e di que o santo dos Croques nin santo é. Lémbrame aquel sermón dun párroco anoxado coa forte crenza popular en San Ánton: "Ese tal San Antón, ao lado de Deus, é un ninguén." Hai un certo estrabismo diverxente na igrexa á hora de tratar cos santos "independentes" elevados á condición de santos polo pobo. Por una banda, aprovéitase do seu poder de atracción. Por outra, mantennos nun estatus furtivo, provisorio. Agora veñen de despedir de santo ao Santo dos Croques, a mente transmigrada en pedra do Mestre Mateo. A pedra da intelixencia."(1)
Podremos estar de acuerdo o no con Manuel Rivas, de lo que si no cabe ninguna duda es de que el Patrimonio es algo que está presente en nuestra cultura, ya que la cultura hace referencia a la forma de vida de una sociedad, no sólo a aquellos aspectos de la forma de vida que la sociedad considera superiores o más deseables.No existe ninguna sociedad o incluso ninguna persona inculta. Cada sociedad tiene una cultura, por simple que sea, y cualquier ser humano es culto en el sentido que participa de una cultura.
Santo dos Croques en la actualidad. Fuente: Google Imágnes
Curiosas estas fotos que reflejan cómo hay personas que incumplen la limitación de acceso
Fuente: Google Imágenes
FUENTES:
Galicia en Comarcas: Santiago(LA VOZ DE GALICIA, IR INDO EDICIÓNS) Santo dos Croques RAE
1:Santo dos Croques. Opinión Manuel Rivas
Patrimonio Cultural. Montserrat Crespi, Margarita Planells (Síntesis, Madrid, 2003) (¿donde citas en el texto lo que señalan estas autoras?) É importante que vaias citando no texto o que tomas das diversas fontes e ao final (mediante notas) fagas a referencia completa
Imágenes: Google Imágenes
Regular, Iria, no acabas de captar la esencia de lo que yo pido. Veo que haces el esfuerzo por relacionar, pero de manera muy forzada y poco desarrollada
SIGHTSEEING 3
En este sightseeing podemos observar dos imágenes. La primera de ellas, conocida a nivel mundial y la segunda de ellas pertence a una película del cine clásico.
Ambas pues son bienes inmuebles ya que no se pueden trasladar de su ubicación original debido a que perderían su esencia y significado.
Hablemos ahora de la primera fotografía, forma parte del patrimonio fotográfico, que se encarga de reproducir la realidad a través de valores estéticos reconocidos, pero este tipo de patrimonio puede llegar a presentar algunos problemas como que sus materiales son muy sensibles a las agresiones medioambientales(1). Si ya lo decía Miguel Hernández en una de su obra "El Rayo que no cesa": " Se pondrá el tiempo amarillo sobre mi fotografía".(2)
Pero centrémonos en la foto que es la que cobra mayor importancia.
Esta foto pertenece a la 2ª Guerra Mundial, y como podemos imaginarnos la sociedad era muy distinta a la de hora. Estaba terminantemente prohibido besarse en público por ejemplo.
Pero un buen 14 de agosto de 1945 todo cambió. Una joven enfermera de 26 años, llamada Edin Shain fue besada por un marino. Un periodista del New York Times, uno de los periódicos más importantes en el mundo, tomó una fotografía de ese momento, sin saber que esta foto se haría famosa en todo el mundo (no repitas); del marinero desconocemos su identidad.(3)
Desgraciadamente esta mujer, murió a los 91 años, pero durante toda su vida estuvo participando en eventos relacionados con la 2ª Guerra Mundial.
Hoy en día son muchas las ciudades que organizan actos para imitar este día(4), incluso una marca de camisetas ha realizado una con esta imagen(5).
La segunda de las fotografías forma parte del patrimonio cinematográfico (6). Su conservación se lleva a cabo a través de museos,archivos y filmotecas. Por ejemplo en Madrid, el Círculo de Bellas Artes o la Filmoteca Nacional se encargan de ello.(7)
La película es importante ya no sólo por el hecho de ser realizada por los hermanos Marx, sino porque es todo un clásico en el llamado séptimo arte y una de las películas mejor estructuradas de todos los tiempos.(8)En 1993 fue seleccionada para preservarse en la National Film Registry de Estados Unidos.(9)
Como conclusión podemos decir que no deberíamos dejar que se pierda el pasado, ya que perderemos parte de nosotros y nuestra historia.
Iria, te centras más en la primera imagen que en la segunda,pero ambas son importantes. Haces referencia a la materia, pero podrías hacer más, te quedas muy corta
Desde el punto de vista artístico, este cuadro pertenece al Renacimiento, época que se divide en dos grandes períodos: el que ocupa la centuria del siglo XV (Quattrocento) y el del siglo XVI (Cinquecento).
Durante el Quattrocento se forman y se desarrollan las nuevas formulaciones estéticas y los nuevos valores que caracterizan el movimiento renacentista. A finales del siglo XV, algunos de estos valores que ayudaron a formular la identidad del Renacimiento y sus realizaciones artísticas entran en crisis al llegar a la plena madurez de su lenguaje.
La necesidad de considerar el arte como liberal, y así elevarlo a la categoría de ciencia, confluye con la manifestación de los nuevos valores de la sociedad renacentista en el terreno artístico. (cita la procedencia de toda esta información)
La confianza del hombre en su razón, en su capacidad para explicarse el mundo y, en consecuencia, por dominarlo, le llevan a un proceso ininterrumpido en el que, progresivamente, ahonda en el terreno del conocimiento de la naturaleza y sus leyes. Las diferentes artes plásticas intentan que sus representaciones o creaciones se ajusten a leyes geométricas, ópticas o matemáticas que les permitan una aprehensión objetiva y, por tanto, una manifestación científica de la realidad.
No debe sorprendernos el hecho de que durante el siglo XV sea, precisamente, en el terreno del arte donde se ponen los cimientos de lo que más tarde se denominaría revolución científica.
Los artistas del Quattrocento se proponen, fundamentalmente, conocer la naturaleza, extraer de ella leyes racionales y científicas y aplicarlas, en consecuencia, al terreno particular de su quehacer artístico.
Para que la obra de arte sea tal, debe atenerse a una serie de consideraciones o normas de carácter general: fidelidad a la naturaleza, búsqueda de la belleza y representación del espacio conforme a leyes científicas.
La fidelidad a la naturaleza se entiende como "mímesis"; es decir, el artista debe copiar los objetos naturales y representarlos lo más fielmente posible.
La pretensión de mantenerse fiel a la naturaleza y al mismo tiempo realizar una obra bella implica una cierta contradicción, puesto que en la naturaleza la belleza se encuentra en partes separadas, fragmentadas. Los artistas del Renacimiento optan por "corregir" en las obras los "defectos" que aparecen en la naturaleza.
De hecho, ahora es cuando se hace famosa la sentencia de la Antigüedad: " EL ARTE SUPERA A LA NATURALEZA".
No se puede imitar, y menos superar a la naturaleza, sin que el artista observe y descubra las leyes que la rigen. En este sentido el arte del Quattrocento prepara el terreno a la ciencia y pretende constituirse él mismo en ciencia. Así, el artista debe descubrir y, a la vez, familiarizarse con las leyes objetivas que permiten una copia mimética de la naturaleza y que, al mismo tiempo, expresan su belleza. Esto los lleva a desarrollar amplios estudios sobre matemáticas, geometría, óptica, perspectiva, leyes de la visión, comportamiento de los colores y sus relaciones, así como anatomía, fisiología y fisionomía.
En Leonardo (1452- 1519) confluye la aspiración iniciada en el Quattrocento de unir teoría y práctica. Formado en el taller florentino de Verrocchio vive la influencia del ambiente neoplatónico de la corte de los Médicis. En su etapa florentina investiga sobre los valores de la luz y la atmósfera. Se da cuenta de que la atmósfera no es transparente, sino que vibra y tiene color y densidad propias. Estas propiedades atmosféricas contribuyen a variar el volumen y el color de los objetos integrándolos y uniéndolos con el medio en el que se ubican. Al contrario de lo que hacen o han hecho los demás artistas que parten de una idea preconcebida sobre cómo son las cosas, Leonardo las representa tal y como las ve, rechazando cualquier idea a priori.
La importancia que da a la observación de los fenómenos y a la percepción del mundo a través de los sentidos, supone una verdadera culminación de las experiencias renacentistas sobre la naturaleza y el hombre que, en realidad, pone el fundamento de la ciencia moderna.
La importancia que concede a los sentidos, sus extraordinarias dotes de observación y el valor que concede a las propiedades atmosféricas, le llevan progresivamente a una interpretación particular sobre la filosofía y las teorías platónicas, que le suponen el enfrentamiento con las tesis del círculo neoplatónico de Florencia, y especialmente con Botticelli.
Leonardo rompe bruscamente con el círculo neoplatónico florentino rechazando sus ideas esteticistas y su espiritualismo abstracto. El arte de Leonardo no es aceptado en Florencia, por lo que ofrece sus servicios de técnico, ingeniero y científico a la corte milanesa de los Sforza.
En Milán trabaja y profundiza en el conocimiento de las ciencias naturales, la anatomía, la ingeniería hidráulica, la música y el urbanismo, realizando descubrimientos extraordinarios en todos los campos, los cuales le valdrían la fama de hombre universal.
En 1499, Leonardo regresa a Florencia y, más tarde, trabaja para el rey Francisco I de Francia, a cuyo servicio muere.(1)
Hablemos ahora del cuadro de la Gioconda.
Está pintada entre 1503-1506 y se conserva en el Museo del Louvre en una urna de cristal a prueba de balas.
Las hipótesis sobre la identidad de la persona del cuadro son muchas y muy variadas. Una de ellas dice que puede tratarse de Isabella D´Este, una amante de Leonardo, una mujer universal idealizada o incluso un adolescente vestido de mujer. Hasta se ha llegado a decir que puede tratarse de un autorretrato del propio artista. La Gioconda fue adquirida por Francisco I y posteriormente conservada en el Versalles durante el reinado del rey Luis XIV. Desde la Restauración estuvo siempre en el Louvre. Fue robada en 1911 por un pintor italiano desequillibrado llamado Peruggia que quería devolver el cuadro a su país de origen.(2)
En las siguientes imágenes podemos contemplar la belleza de la obra.
El Museo del Louvre es el museo nacional de Francia consagrado al arte anterior al impresionismo y está considerado el más importante del mundo debido a la riqueza de sus colecciones. A lo largo del 2009 recibió 8,5 millones de visitantes.(3) lo cual hace que se tengan que tomar diversas medidas de restauración para que podamos seguir contemplando la obra de la Gioconda.
Como dicen Tugores y Planas en su libro Introducción al Patrimonio Cultural, restauración es cualquier intervención destinada a mantener en funcionamiento, facilitar la lectura y transmitir íntegramente al futuro los objetos tratados.
Se ha definido restauración como toda aquella acción destinada a mejorar el estado histórico- estético de un elemento.
Una acción de restauración siempre contará con una dosis de subjetividad,puesto que el único estado físicamente auténtico de un objeto es el que efectivamente tiene en este momento. Toda restauración deberá ser precedida de un estudio histórico- artístico del objeto que determine el valor de cada uno de los elementos que lo componen.(4) Iria, sólo dedicas esta última parte a referirte a la asignatura con relación a la imagen (que es lo que yo pido). En la primera parte te centras, sobre todo, en hablar del quattrocento y la obra de arte y no es eso. Además, lo que haces es un "corta-pega". Creo que no has captado bien la esencia de los Sightseeing
1: Historia del Arte. Edelvives. Miguel Ángel Herguedas Lorenzo, Mª Asunción García Torralba, Juan Zafra Camps. Tema VI: El Mundo Moderno. Págs 158,160 y 184
2: LA GIOCONDA
3: LOUVRE
4: Francesca Tugores, Rosa Planas. Introducción al Patrimonio Cultural. Ed. Tetra 2006. Págs 87 y 88.
SIGHTSEEING 1
La búsqueda de los griegos para encontrar una explicación racional que ordene las diversas expresiones que todo hombre percibe a través de sus sentidos, es la clave para entender el arte griego.
Platón decía "la medida y la proporción realizan en todas partes la belleza y la virtud" es ideal para explicar cómo el reconocimiento del orden y de la medida en los fenómenos naturales sirve de base a un ideal espiritual. La búsqueda de ese ideal sólo se puede realizar mediante el análisis y la definición racional, uniendo algo que nuestro mundo hace muchas veces excluyente: racionalidad y espiritualidad.
Estas ideas se pueden ver muy bien en arquitectura mediante la aplicación del concepto de orden arquitectónico: proporción entre las partes de un edificio para lograr la armonía entre sus elementos,sus materiales y, también, entre naturaleza y obra humana.
La realización de esculturas, así como de edificios, que son expresión de armonía y la esencia de la naturaleza, es lo que permite comprender la gran importancia que el arte griego tiene para toda la humanidad.
El Partenón o residencia de Atenea Partenos es uno de los principales monumentos dóricos, como podemos observar en muchos de sus elementos como el fuste estriado o su capitel etc. Fue construído entre los años 447 y 432 a.C.La construcción de este edificio realizado en mármol blanco fue hecha por Pericles ,agradeciendo a los dioses su victoria contra los persas.
El Partenón en principio era un templo, después era una basílica, pero en 1687 los turcos lo utilizaron como depósito de pólvora.
La decoración escultórica del Partenón es una combinación única de las metopas, los tímpanos y un friso, donde se representan diversas escenas de la mitología griega.
Las metopas representaban la gigantomaquia en el lado este, la amazonomaquia en el oeste, la centauromaquia en el sur y escenas de la Guerra de Troya en el norte. Cada tímpano del centro contenía una escena mitológica: al este, sobre la entrada principal del edificio, el nacimiento de la diosa Atenea, y al oeste, la lucha entre Atenea y Poseidón, dios del mar, por el patrocinio de la ciudad de Atenas.
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La acrópolis de Atenas puede considerarse la más representativa del las acrópolis griegas. Antiguamente la acrópolis era la parte alta de una ciudad y tenía una doble función: por una parte defensiva y por otra la sede de los principales lugares de culto. Esta constituida por el Partenón, Erecteión, Propileos, que era la entrada a la ciudad, templo de Atenea Niké, Pandroseión, entre otros.
Es una pena que no lo desarrolles más y no aportes imágenes, por ejemplo. Empiezas muy bien, pues te refieres al segundo nivel de la mirada, que poca gente menciona, pero el primero (descripción formal) lo pasas por encima, cuando es la parte en la que más te podías "lucir" gracias a lo explicado en clase. El tercer nivel también lo tocas por encima.
Además no incluyes la procedencia de la información.
SIGHTSEEING 2
El Santo de los Croques (Santo dos Croques en gallego) (¿crees que es necesaria esta aclaración?), se encuentra en la Catedral de Santiago de Compostela, obra realizada por el Maestro Mateo y en su interior podemos contemplar el Pórtico de la Gloria( realizado en 1188), donde se encuentra la escultura que vamos a explicar. (vaya rodeo que das para explicar su situación)
Nos encontramos, pues ante una de las obras más queridas y visitadas de la catedral, ya que una antigua tradición cuenta que los estudiantes de la Universidad de Santiago, para obtener más sabiduría chocaban su cabeza tres veces contra esta escultura. Esta tradición ha llegado hasta los peregrinos, que también la han incluído, aunque han sido tantas las personas que han chocado la cabeza contra la escultura que en la actualidad no se permite realizar este gesto, debido a que se está protegiendo la escultura (no repitas la palabra escultura).(2)
La escultura representa a un hombre arrollidado que da la sensación de que está rezando y que está de espaldas si lo comparamos con las demás esculturas. Se dice que representa al propio constructor de la Catedral (uno de ellos), el Maestro Mateo, que se arrepiente de haber esculpido a el mismo al lado de Dios en el Pórtico. Por ello, creo creó esta escultura para mostrar su arrepentimiento.
Y arrepentiemiento es el que podemos sentir los propios gallegos al haber que estamos destruyendo nuestro patrimonio.
Dice la RAE que Patrimonio es el conjunto de los bienes propios, antes espiritualizados, y hoy capitalizados y adscritos a un ordenado ???, como título para su ordenación.(no se entiende, Iria)
Uno de nuestros escritores, Manuel Rivas, dijo en el País: " Prohibir os croques na catedral de Santiago é unha das decisións máis tristes e erradas na historia da espiritualidade galega. Haberá un antes e un despois dos croques Dise que é polo deterioro. Mais eu desconfío. Porque logo vai o voceiro do Cabido e di que o santo dos Croques nin santo é. Lémbrame aquel sermón dun párroco anoxado coa forte crenza popular en San Ánton: "Ese tal San Antón, ao lado de Deus, é un ninguén." Hai un certo estrabismo diverxente na igrexa á hora de tratar cos santos "independentes" elevados á condición de santos polo pobo. Por una banda, aprovéitase do seu poder de atracción. Por outra, mantennos nun estatus furtivo, provisorio. Agora veñen de despedir de santo ao Santo dos Croques, a mente transmigrada en pedra do Mestre Mateo. A pedra da intelixencia."(1)
Podremos estar de acuerdo o no con Manuel Rivas, de lo que si no cabe ninguna duda es de que el Patrimonio es algo que está presente en nuestra cultura, ya que la cultura hace referencia a la forma de vida de una sociedad, no sólo a aquellos aspectos de la forma de vida que la sociedad considera superiores o más deseables.No existe ninguna sociedad o incluso ninguna persona inculta. Cada sociedad tiene una cultura, por simple que sea, y cualquier ser humano es culto en el sentido que participa de una cultura.
Curiosas estas fotos que reflejan cómo hay personas que incumplen la limitación de acceso
FUENTES:
Galicia en Comarcas: Santiago(LA VOZ DE GALICIA, IR INDO EDICIÓNS)
Santo dos Croques
RAE
1:Santo dos Croques. Opinión Manuel Rivas
Patrimonio Cultural. Montserrat Crespi, Margarita Planells (Síntesis, Madrid, 2003) (¿donde citas en el texto lo que señalan estas autoras?) É importante que vaias citando no texto o que tomas das diversas fontes e ao final (mediante notas) fagas a referencia completa
Imágenes: Google Imágenes
Regular, Iria, no acabas de captar la esencia de lo que yo pido. Veo que haces el esfuerzo por relacionar, pero de manera muy forzada y poco desarrollada
SIGHTSEEING 3
En este sightseeing podemos observar dos imágenes. La primera de ellas, conocida a nivel mundial y la segunda de ellas pertence a una película del cine clásico.
Ambas pues son bienes inmuebles ya que no se pueden trasladar de su ubicación original debido a que perderían su esencia y significado.
Hablemos ahora de la primera fotografía, forma parte del patrimonio fotográfico, que se encarga de reproducir la realidad a través de valores estéticos reconocidos, pero este tipo de patrimonio puede llegar a presentar algunos problemas como que sus materiales son muy sensibles a las agresiones medioambientales(1). Si ya lo decía Miguel Hernández en una de su obra "El Rayo que no cesa": " Se pondrá el tiempo amarillo sobre mi fotografía".(2)
Pero centrémonos en la foto que es la que cobra mayor importancia.
Esta foto pertenece a la 2ª Guerra Mundial, y como podemos imaginarnos la sociedad era muy distinta a la de hora. Estaba terminantemente prohibido besarse en público por ejemplo.
Pero un buen 14 de agosto de 1945 todo cambió. Una joven enfermera de 26 años, llamada Edin Shain fue besada por un marino. Un periodista del New York Times, uno de los periódicos más importantes en el mundo, tomó una fotografía de ese momento, sin saber que esta foto se haría famosa en todo el mundo (no repitas); del marinero desconocemos su identidad.(3)
Desgraciadamente esta mujer, murió a los 91 años, pero durante toda su vida estuvo participando en eventos relacionados con la 2ª Guerra Mundial.
Hoy en día son muchas las ciudades que organizan actos para imitar este día(4), incluso una marca de camisetas ha realizado una con esta imagen(5).
La segunda de las fotografías forma parte del patrimonio cinematográfico (6). Su conservación se lleva a cabo a través de museos,archivos y filmotecas. Por ejemplo en Madrid, el Círculo de Bellas Artes o la Filmoteca Nacional se encargan de ello.(7)
La película es importante ya no sólo por el hecho de ser realizada por los hermanos Marx, sino porque es todo un clásico en el llamado séptimo arte y una de las películas mejor estructuradas de todos los tiempos.(8)En 1993 fue seleccionada para preservarse en la National Film Registry de Estados Unidos.(9)
Como conclusión podemos decir que no deberíamos dejar que se pierda el pasado, ya que perderemos parte de nosotros y nuestra historia.
Iria, te centras más en la primera imagen que en la segunda,pero ambas son importantes. Haces referencia a la materia, pero podrías hacer más, te quedas muy corta
FUENTES:
1y 6: Introducción al Patrimonio Cultural. Francesca Tugores. Rosa Planas.
2:Miguel Hernández
3: Enfermera muere a los 91 años
4: evento simulando el famoso beso
5: Google imágenes
7: Círculo de Bellas Artes
http://www.mcu.es/cine/
8: HERMANOS MARX
9: wikipedia
SIGHTSEEING 4
Desde el punto de vista artístico, este cuadro pertenece al Renacimiento, época que se divide en dos grandes períodos: el que ocupa la centuria del siglo XV (Quattrocento) y el del siglo XVI (Cinquecento).
Durante el Quattrocento se forman y se desarrollan las nuevas formulaciones estéticas y los nuevos valores que caracterizan el movimiento renacentista. A finales del siglo XV, algunos de estos valores que ayudaron a formular la identidad del Renacimiento y sus realizaciones artísticas entran en crisis al llegar a la plena madurez de su lenguaje.
La necesidad de considerar el arte como liberal, y así elevarlo a la categoría de ciencia, confluye con la manifestación de los nuevos valores de la sociedad renacentista en el terreno artístico. (cita la procedencia de toda esta información)
La confianza del hombre en su razón, en su capacidad para explicarse el mundo y, en consecuencia, por dominarlo, le llevan a un proceso ininterrumpido en el que, progresivamente, ahonda en el terreno del conocimiento de la naturaleza y sus leyes. Las diferentes artes plásticas intentan que sus representaciones o creaciones se ajusten a leyes geométricas, ópticas o matemáticas que les permitan una aprehensión objetiva y, por tanto, una manifestación científica de la realidad.
No debe sorprendernos el hecho de que durante el siglo XV sea, precisamente, en el terreno del arte donde se ponen los cimientos de lo que más tarde se denominaría revolución científica.
Los artistas del Quattrocento se proponen, fundamentalmente, conocer la naturaleza, extraer de ella leyes racionales y científicas y aplicarlas, en consecuencia, al terreno particular de su quehacer artístico.
Para que la obra de arte sea tal, debe atenerse a una serie de consideraciones o normas de carácter general: fidelidad a la naturaleza, búsqueda de la belleza y representación del espacio conforme a leyes científicas.
La fidelidad a la naturaleza se entiende como "mímesis"; es decir, el artista debe copiar los objetos naturales y representarlos lo más fielmente posible.
La pretensión de mantenerse fiel a la naturaleza y al mismo tiempo realizar una obra bella implica una cierta contradicción, puesto que en la naturaleza la belleza se encuentra en partes separadas, fragmentadas. Los artistas del Renacimiento optan por "corregir" en las obras los "defectos" que aparecen en la naturaleza.
De hecho, ahora es cuando se hace famosa la sentencia de la Antigüedad: " EL ARTE SUPERA A LA NATURALEZA".
No se puede imitar, y menos superar a la naturaleza, sin que el artista observe y descubra las leyes que la rigen. En este sentido el arte del Quattrocento prepara el terreno a la ciencia y pretende constituirse él mismo en ciencia. Así, el artista debe descubrir y, a la vez, familiarizarse con las leyes objetivas que permiten una copia mimética de la naturaleza y que, al mismo tiempo, expresan su belleza. Esto los lleva a desarrollar amplios estudios sobre matemáticas, geometría, óptica, perspectiva, leyes de la visión, comportamiento de los colores y sus relaciones, así como anatomía, fisiología y fisionomía.
En Leonardo (1452- 1519) confluye la aspiración iniciada en el Quattrocento de unir teoría y práctica. Formado en el taller florentino de Verrocchio vive la influencia del ambiente neoplatónico de la corte de los Médicis. En su etapa florentina investiga sobre los valores de la luz y la atmósfera. Se da cuenta de que la atmósfera no es transparente, sino que vibra y tiene color y densidad propias. Estas propiedades atmosféricas contribuyen a variar el volumen y el color de los objetos integrándolos y uniéndolos con el medio en el que se ubican. Al contrario de lo que hacen o han hecho los demás artistas que parten de una idea preconcebida sobre cómo son las cosas, Leonardo las representa tal y como las ve, rechazando cualquier idea a priori.
La importancia que da a la observación de los fenómenos y a la percepción del mundo a través de los sentidos, supone una verdadera culminación de las experiencias renacentistas sobre la naturaleza y el hombre que, en realidad, pone el fundamento de la ciencia moderna.
La importancia que concede a los sentidos, sus extraordinarias dotes de observación y el valor que concede a las propiedades atmosféricas, le llevan progresivamente a una interpretación particular sobre la filosofía y las teorías platónicas, que le suponen el enfrentamiento con las tesis del círculo neoplatónico de Florencia, y especialmente con Botticelli.
Leonardo rompe bruscamente con el círculo neoplatónico florentino rechazando sus ideas esteticistas y su espiritualismo abstracto. El arte de Leonardo no es aceptado en Florencia, por lo que ofrece sus servicios de técnico, ingeniero y científico a la corte milanesa de los Sforza.
En Milán trabaja y profundiza en el conocimiento de las ciencias naturales, la anatomía, la ingeniería hidráulica, la música y el urbanismo, realizando descubrimientos extraordinarios en todos los campos, los cuales le valdrían la fama de hombre universal.
En 1499, Leonardo regresa a Florencia y, más tarde, trabaja para el rey Francisco I de Francia, a cuyo servicio muere.(1)
Hablemos ahora del cuadro de la Gioconda.
Está pintada entre 1503-1506 y se conserva en el Museo del Louvre en una urna de cristal a prueba de balas.
Las hipótesis sobre la identidad de la persona del cuadro son muchas y muy variadas. Una de ellas dice que puede tratarse de Isabella D´Este, una amante de Leonardo, una mujer universal idealizada o incluso un adolescente vestido de mujer. Hasta se ha llegado a decir que puede tratarse de un autorretrato del propio artista. La Gioconda fue adquirida por Francisco I y posteriormente conservada en el Versalles durante el reinado del rey Luis XIV. Desde la Restauración estuvo siempre en el Louvre. Fue robada en 1911 por un pintor italiano desequillibrado llamado Peruggia que quería devolver el cuadro a su país de origen.(2)
En las siguientes imágenes podemos contemplar la belleza de la obra.
El Museo del Louvre es el museo nacional de Francia consagrado al arte anterior al impresionismo y está considerado el más importante del mundo debido a la riqueza de sus colecciones. A lo largo del 2009 recibió 8,5 millones de visitantes.(3) lo cual hace que se tengan que tomar diversas medidas de restauración para que podamos seguir contemplando la obra de la Gioconda.
Como dicen Tugores y Planas en su libro Introducción al Patrimonio Cultural, restauración es cualquier intervención destinada a mantener en funcionamiento, facilitar la lectura y transmitir íntegramente al futuro los objetos tratados.
Se ha definido restauración como toda aquella acción destinada a mejorar el estado histórico- estético de un elemento.
Una acción de restauración siempre contará con una dosis de subjetividad,puesto que el único estado físicamente auténtico de un objeto es el que efectivamente tiene en este momento. Toda restauración deberá ser precedida de un estudio histórico- artístico del objeto que determine el valor de cada uno de los elementos que lo componen.(4)
Iria, sólo dedicas esta última parte a referirte a la asignatura con relación a la imagen (que es lo que yo pido). En la primera parte te centras, sobre todo, en hablar del quattrocento y la obra de arte y no es eso. Además, lo que haces es un "corta-pega". Creo que no has captado bien la esencia de los Sightseeing
1: Historia del Arte. Edelvives. Miguel Ángel Herguedas Lorenzo, Mª Asunción García Torralba, Juan Zafra Camps. Tema VI: El Mundo Moderno. Págs 158,160 y 184
2: LA GIOCONDA
3: LOUVRE
4: Francesca Tugores, Rosa Planas. Introducción al Patrimonio Cultural. Ed. Tetra 2006. Págs 87 y 88.